Arte Tridimensional

La Ley cuadrática-cúbica, formulada por Galileo Galilei en el siglo XVII, explica cómo cambian las propiedades físicas de los objetos cuando aumenta o disminuye su tamaño. Mientras las dimensiones lineales crecen de forma proporcional, las superficies aumentan al cuadrado y los volúmenes al cubo. Esta diferencia aparentemente sencilla tiene profundas consecuencias en la naturaleza, la ingeniería, la arquitectura y las artes visuales.
El presente ensayo surge de una observación realizada durante la construcción de dos maquetas de una misma escultura. Aunque una era exactamente la mitad de la otra, visualmente parecía mucho más pequeña. Este fenómeno condujo a explorar la relación entre escala, superficie, volumen y percepción.
A partir de este ejemplo artístico, se analiza cómo la Ley cuadrática-cúbica explica la estabilidad de las estructuras, los límites del crecimiento de los edificios, las restricciones biológicas que determinan el tamaño máximo de los animales y los principios que gobiernan la aviación moderna. Asimismo, se examina la diferencia entre el comportamiento de los objetos tridimensionales y las imágenes bidimensionales, mostrando por qué pintores, muralistas y diseñadores deben pensar en áreas y no únicamente en longitudes.
Finalmente, el ensayo explora la relación entre esta ley matemática y la percepción visual en el arte, utilizando como ejemplo El Juicio Final de Miguel Ángel. Allí se muestra cómo la escala, la perspectiva y la ilusión de volumen pueden emplearse para reforzar la monumentalidad y el significado simbólico de una obra.
Más allá de su importancia científica, la Ley cuadrática-cúbica revela la existencia de principios matemáticos universales que conectan disciplinas aparentemente distantes y nos permiten comprender mejor la relación entre forma, tamaño y realidad.

Este artigo investiga a versatilidade temática e arquitetural do Trissoneto, uma nova forma poética caracterizada pela sobreposição de três sonetos independentes em uma única estrutura. Partindo do modelo inaugural baseado no verso alexandrino, a presente investigação propõe um "teste de estresse" à forma, explorando a sua plasticidade através de três eixos fundamentais: a ampliação semântica, a variação métrica e a radicalização estrutural. Através da análise de sete novas composições, demonstra-se a viabilidade do Trissoneto em metros decassílabos, heptassílabos e eneassílabos anapésticos, bem como a sua capacidade de abrigar a desconstrução lexical e o perspectivismo narrativo. Os resultados reafirmam o Trissoneto como um dispositivo poético resiliente e multidimensional, capaz de unir o rigor da tradição clássica à fragmentação e multiplicidade da estética contemporânea.

Nessa  pesquisa  buscou-se  compreender  vulnerabilidades  de  algumas  obras  de  arte  contemporânea realizadas com fibras celulósicas em conjunto com outros materiais. Analisou-se  a  produção  de  artistas  contemporâneos  brasileiros  que  se  apropriam  deste  material,  explorando  suas  potencialidades  como  linguagem  artística.  Apresentam-se,  com  intenção  de  identificação  de  danos  frente  à  passagem  do  tempo,  algumas  produções  em  pasta  celulósica  referentes a outros campos, como os modelos científicos de Auzoux e obras de arte de artistas internacionais.  Mapearam-se  os  principais  danos  e  agentes  de  degradação  apontados  pela  escassa bibliografia no tema, e por meio de entrevistas com dois artistas brasileiros que utilizam as fibras de forma não convencional na produção de suas obras. Assim, destaca-se a relevância de  registros  dos  vários  processos  de  confecção  das  pastas  celulósicas  e  suas  combinações  quando utilizadas na arte contemporânea. A metodologia de entrevista com artista tem sido uma ferramenta efetiva de documentação para registrar processos, materiais e intenções dos artistas.  Palavras-Chave: Arte  da  Fibra.    Fibras  Celulósicas.    Arte Contemporânea.    Agentes  de  Deterioração. Processo.  Artistas. Entrevista.

O artigo busca contribuir para os estudos sobre o campo ampliado da escultura no Brasil, pouco historicizado entre nós, tomando como objeto o conjunto de obras tridimensionais feitas por artistas mulheres premiadas nos Panoramas da Arte Brasileira do Museu de Arte Moderna de São Paulo e que foram incorporadas ao acervo do museu. O recorte sobre a produção tridimensional das artistas Mary Viera, Valquíria Chiarion, Ada Yamaguishi e Lídia Sano, Eliane Prolik, Nazareth Pacheco, Vera Chaves Barcellos, Rosana Paulino e Marilá Dardot fortalece o crescente interesse pelos estudos feministas que buscam visibilizar a atuação das mulheres. A pesquisa sobre as aquisições de
obras expostas nos Panoramas sinaliza a importância do programa institucional
para o fomento e a difusão da produção nacional, e foi viabilizada por meio do Edital Laboratório de Pesquisa do museu em 2022.

RESUMO Disponho as ideias disparadoras de duas abordagens transcriativas das personagens Penélope, da obra "Odisseia", de Homero (VIII a. C, aprox.) e Marion/Molly Bloom, da obra "Ulysses", de James Joyce (1920). Elas culminaram num livro ilustrado e na elaboração de um objeto poético tridimensional. Ambos subvertem o livro como espaço-tempo narrativo, ao trabalhar sua forma através do uso de metalinguagem e da sua transformação em corpo significativo. Em "Retorno de Ulisses" (Rocco, 2007), recrio Penélope como artista plástica e autora ficcional das ilustrações que se entrelaçam ao texto de minha autoria. No objeto "Penélope Bloom" (2020), o conhecido monólogo da esposa de Leopold Bloom surge transcrito à mão a partir do original em inglês, sobre 2600 metros de folhas de papel costuradas entre si. Este volume é comprimido pela capa de uma edição brasileira da obra joyceana, sugerindo um espartilho. Meu principal objetivo foi questionar o lugar da mulher em ambas as narrativas consagradas como parte do cânone literário e o livro como símbolo cultural de uma civilização patriarcal.

La exhibición retrospectiva Raquel Quijano Feliciano: ingeniera del papel es inquietante, intrigante, esmerada, ingeniosa y cuidadosa. Recoge el resultado de veinticinco años de práctica en el grabado de esta artista plástica puertorriqueña, haciendo del papel un material que se vuelve tridimensional y escultórico. En ella, la artista nos invita al goce desde el juego, a la reflexión sobre las tradiciones del país, al análisis del crecimiento y el desarrollo que nos lleva a ser una ciudad desgastada y olvidada./The retrospective exhibition Raquel Quijano Feliciano: ingeniera del papel is haunting, intriguing, meticulous, ingenious, and sensitive. It shows the result of twenty-five years of work in printmaking by this Puerto Rican plastic artist, who turns paper into a three-dimensional and sculptural material. In the exhibition, the artist invites us to enjoy while playing, to reflect on the country’s traditions, and to analyze how growth and development has led us to live in a decrepit and forgotten city.